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艺术是文明的一个主要组成部分，没有任何重要的文化或社会能够在脱离艺术的情况下繁荣发展。纵观历史，艺术作品的形式多种多样，它们承担着不同的目的，并在历史过程中不断演变。有时，这些变化细微而缓慢；但在其他阶段，尤其是在20世纪早期，艺术的多样性与创新性迎来了一个集中爆发的高峰期。这本书力图透过这些变化的表面，解析那些深层次的观念、社会、政治和技术性的力量。它们深刻地塑造了艺术的发展，并催生出当下千变万化的艺术表达。

DK《艺术百科（全彩）》内容简介：是什么造就了一件艺术作品？古希腊人如何用艺术来表达理想美？色彩是否对灵魂有直接影响？本书不仅思考了这些问题，还通过二百多种艺术作品回顾了人类历史上的主要艺术运动、艺术主题和艺术风格。《艺术百科》用简洁易懂的文字编写而成，深入艺术史和艺术理论，配以世界上杰出艺术作品的珍贵图片，以及丰富有趣的信息图，探索了隐藏在艺术背后的人类思想。这是一本可读性强，且值得收藏的世界艺术普及读物。无论你是艺术专业的学生，还是艺术爱好者，翻开本书，透过艺术作品，你都会发现一个全新的人类世界。

英国DK出版社是国际知名的出版社，成立于1974年，其愿景是创作既有视觉冲击力又包含丰富信息的图书，使读者能够理解每一个主题。DK图书被认为是从生到老不断学习的生活指南，其科普、百科、生活等图书畅销全球。

史前艺术和古代艺术

创作一件艺术作品并将它视为纯粹的美学欣赏的对象，这种做法是人类历史上相当晚近的产物。在更古老的历史时期，艺术创作往往伴随着明确的目的，比如宗教、礼仪或辟邪。而在某些孤立的古代文明中，这些意图至今都没有得到明确的认识。然而，即便人们难以理解这类艺术被创作时的原始语境，它们依旧蕴含了深厚的情感寄托。比如威伦道夫的女性雕刻（或称维纳斯）尽管尺寸较小、身体比例失调，它依然对女性的身体进行了夸张化的表现；而西班牙阿尔塔米拉洞窟中描绘野牛、马、鹿等动物的岩画则带有一种极度的逼真感，以至于很少有其他绘画能够

与之媲美。

相对的价值

今天，西方艺术批评区分了建筑、绘画和雕刻这三种“主要的”视觉艺术形式和其他“次要的”装饰艺术或实用艺术，但这种做法并不适用于所有文明。以中国艺术为例，人们通常更关注瓷器而非雕塑，而中国雕塑作品的最高水平一般表现在青铜礼器之中，而不是西方世界最流行的人像雕刻。类似地，正如古代美洲的阿兹特克人和玛雅人，中国古人为碧色玉石赋予了极高的精神价值，它通常被用于制作质量上乘的奢侈品，但欧洲艺术基本上不会采用这种原料。此外，还有其他更为本质性的区别值得人们思考。中国艺术通常表达的是艺术家本人的哲学思想和对自然“精神”的捕捉，但西方艺术有时更看重再现和装饰。

埃及源流

西方艺术有一条可以被明确追溯到古埃及时期的发展线索；古埃及人影响了古希腊人，古希腊人影响了古罗马人，而古罗马艺术深刻地影响了西方世界后来的艺术成就，尤其是文艺复兴之后的历史阶段。从本质上说，古埃及艺术的核心是服务于神圣的统治者，并努力保障他们在肉体死亡后的灵魂不朽，因而它与当今世俗世界之间存在很大的距离。除了信仰方面的深刻差异，拉霍泰普王子与他的妻子诺弗莱特坟墓塑像是如此的生动，以至于这两位生活在4000多年以前的人们仿佛重获新生。

古希腊人和古罗马人确立了很多对西方艺术的历史起到深刻影响的观念和主题。借助公元前4世纪的亚历山大大帝东征，它们的影响远达印度的犍陀罗地区，并融入当地的佛教艺术传统。通过吸收希腊文化的影响，在埃及的亚历山大城以及今天土耳其境内的帕加马、安条克等地，也纷纷涌现出新的艺术中心。

在描绘人体时，古典艺术表现出一种欣赏人体以及理想美的自然主义风格，并具备深远的影响力。比如，里亚切青铜器在注重描绘细节的同时，对人像的刻画却表现出了一种超越现实的英雄式的庄严感。类似地，马克斯·奥利略骑马像刻画了一位高贵的中年男性，骑着一匹栩栩如生的高头大马，颂扬了这位皇帝的无上功绩。

基督教艺术

在基督教艺术的发展过程中，古罗马发挥了巨大的作用。在公元33年之前，罗马帝国的统治者基本上保持了对基督教的打压态度，直到君士坦丁大帝颁布《米兰敕令》并推广宗教宽容政策，这一情况才发生了改变。基督教不仅获得了合法地位，并且成为真正意义上的国教。朱利乌斯·巴库斯石棺在公元360年左右制作于罗马，是这个历史时期的代表作品，反映了基督教力量不断壮大的趋势。

在公元330年时，君士坦丁大帝在拜占庭建立了第二个首都；为纪念这位君王，这座城市改名为君士坦丁堡。在337年君士坦丁大帝去世后，罗马帝国分裂为西罗马帝国和东罗马帝国，分别定都于罗马和君士坦丁堡。在402年时，西罗马帝国迁都拉文纳，而在接下来的几个世纪间，这座城市成为意大利境内拜占庭政治中心的所在地。拜占庭艺术表现出一种强烈的象征主义和超越现实的艺术风格，经常将宗教与政治题材融为一体。在拉文纳，这一特点表现得尤为明显。以这一时期制作的马赛克镶嵌画为代表，在光彩夺目的壮丽感方面，它取得了全新的艺术成就。

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艺术是文明的一个主要组成部分，没有任何重要的文化或社会能够在脱离艺术的情况下繁荣发展。纵观历史，艺术作品的形式多种多样，它们承担着不同的目的，并在历史过程中不断演变。有时，这些变化细微而缓慢；但在其他阶段，尤其是在20世纪早期，艺术的多样性与创新性迎来了一个集中爆发的高峰期。这本书力图透过这些变化的表面，解析那些深层次的观念、社会、政治和技术性的力量。它们深刻地塑造了艺术的发展，并催生出当下千变万化的艺术表达。

艺术、信仰和礼仪

艺术的历史可以追溯到3万多年以前，但“艺术”这一现代语汇可能无法涵盖它最早的形态，研究史前绘画与雕刻用途的现代理论也与它们被创造出来的原始状态有着很大的差距。最早期的艺术形式很可能与生殖力、太阳崇拜、对死者的敬畏与辅助狩猎的交感巫术这类信仰有紧密的关联，但无论它们具体扮演着何种角色，艺术作品都是功能性的仪式工具，为维持个体的生存这一头等大事而被创造出来。

对神灵和死后世界的信仰推动了早期艺术的发展，并提供了最主要的艺术母题。以古埃及人为例，他们创造出了装饰华丽的坟墓与纸草长卷，上面描绘了大量的神灵形象，能够在通向死后世界的道路上保护死者免受邪恶力量的侵袭。在这一方面，中国古人也表现出了高度的相似性：在1974年，人们在陕西西安发现了兵马俑，它们制作于公元前3世纪，并与秦始皇一起被埋葬在地下，保护他在死后世界的安全。为汉朝皇帝设计的玉衣也继承了这种观念，并成功地将其发扬光大。正如人们所相信的那样，玉能够使死者灵魂不朽，因而君主的身体被包裹在用红色丝绸或金线串联起的千万块玉片构成的特殊“衣物”之中。

不同类型的文化对宗教的表现方式是千差万别的，这一点也随着时间流逝而有所不同。以东方世界为例，早期的艺术家避免遵照人的外表刻画佛陀的样貌，而是选择一些象征符号暗示他的存在，比如佛陀的足迹、佛塔和法轮。到了公元1世纪，在亚历山大东征的推动下，受到向东方传播的希腊文化的影响，印度北部地区开始出现人形的佛陀雕塑。

西方传统

在将完美比例奉为圭臬的观念影响下，古典时期的希腊艺术将神灵和英雄的形象再现为理想化的人体。同样，罗马艺术也借此纪念军事胜利与皇帝的凯旋，但更偏好一种直白的现实主义风格。因而，基督教会深刻地受到了这一古典艺术传统的影响。在被罗马帝国认可为合法宗教后，教会的财富与权力日益增加，它雇用艺术家完成的很多作品也塑造了欧洲和拜占庭艺术的总体面貌，而拜占庭则在东方延续了罗马帝国的多项艺术传统。

中世纪的基督教艺术并不着意于刻画现实：相反，它通过象征性的视觉语言来传达宗教真理，教化目不识丁的普通民众。从6世纪开始，早期颇为程式化而超脱世俗的拜占庭艺术开始影响全欧洲范围内的艺术家。在中世纪后期，以佛罗伦萨画家乔托和他的追随者为代表，圣经故事中开始融入真情实感，艺术逐步变得自然化。随着透视准则逐步在15世纪早期得到确立，其他西方艺术家开始创作出风格更为现实化的宗教作品。无论是以建筑还是自然作为背景，他们笔下的人体趋于坚实并拥有正确的结构比例，显得更加真实可信。

伊斯兰世界的艺术则遵循着一条不同的发展道路。它完全排斥描绘人像，代之以传达圣言的书法艺术，并采用几何和植物母题作为装饰图案。

艺术家地位的上升

欧洲的文艺复兴运动，或根据词义称为“重生”，预示着一个属于探索、科学发现和艺术创作受到理性与美等古典价值启发的时代。在此之前，艺术家被视为工匠而不是学者。他们的社会地位相对较低，姓名也很少流传后世。尽管艺术委托的合同上记录了赞助人对最终效果精细入微的要求，有时甚至点名道姓地规定了参与创作的艺术家，但他们的独创性与个人的创造力并不受人期待或看重。

在中世纪，赞助人大多会在定制绘画或雕塑的合同中写明各种昂贵的材料的准确用量。群青色就是一个典型的案例。这种光彩夺目的蓝色来自天青石，一种产自阿富汗境内的矿石。正如天青石一词意为“海外”，它的稀有程度使之千金难求，因此一般被用于绘制画面中最重要的部分，比如圣母玛利亚的外袍。

尼德兰画家扬·凡·艾克的例子能够反映当时艺术家扮演的角色，除去为“好人腓力”的宫廷效力，1425年，勃艮第公爵希望他完成一系列微贱的活计，比如为塑像镀金并创作一场婚宴的装饰品。

米开朗基罗可能是艺术家中第一位被公认为富有创造力的天才，他在1508—1512年在梵蒂冈的西斯廷礼拜堂绘制的一系列天顶画是他的代表作。米开朗基罗与莱昂纳多?达?芬奇一起将艺术家的地位提升到了一个全新的水平。但即便如此，当时的许多艺术作品传达的依然是赞助人的意志，而不是画家自己的意图。这一现象在波提切利和他的追随者绘制的一系列复杂的神秘寓言画中表现得尤为明显，创作这批作品的目的主要是展现意大利大公们精通古典文献和流行一__时的新柏拉图主义思想。

在不久之后，相似的推动力再次发挥了作用：以19世纪初为例，拿破仑大力推广一种新的艺术风格，即帝国风格，以此颂扬他个人媲美罗马皇帝的军事胜利。

个人化的表达

艺术风格的变化往往能够折射出社会性的变化。在17世纪以前，西方艺术最具影响力的赞助人或是来自教会，或是来自皇家或贵族阶层。然而，随着荷兰的海上贸易帝国逐步走向繁盛，富有的新兴商人阶层开始兴起。这些来自中产阶级的公民热爱艺术，但对于诸如战争和古典传说这样的宏大题材没有任何兴趣。在他们时髦的城市住宅里，也没有足够的空间能够容纳为宫殿或贵族宅邸设计的大型创作。相反，他们渴望一种能够反映个人经历的艺术形式，比如描绘日常生活的风俗画、静物画、风景画，以及他们尤为喜爱的花卉题材。艺术家也纷纷响应他们的要求，催生出荷兰绘画的黄金时代。

在18世纪末期，某些艺术家受到工业革命理想的驱动，开始在艺术作品中描绘私人经历和工作，从而进一步削弱了艺术赞助人的影响力。受到西格蒙德?弗洛伊德的写作以及他对无意识领域论述的影响，后来的一些艺术家开始在自我领域中寻找灵感，并在艺术作品中探索梦境、象征符号和个人化的图像。

理念与艺术运动

受到时间、时尚、态度转变和新技术与材料出现的影响，关于美和艺术价值的规则总是在不断变化。艺术风格背后的理念总是脱胎于一个计划或宣言，有时它们也会被一场艺术“运动”的参与者们刻意地培育出来。但通常，它们总是在一个特定时间段和地域围绕着一群艺术家展开，并被后来的艺术批评家定名和分析。

想要预言某些艺术家和艺术风格能否在历史中觅得一席之地的努力总是不可能实现的。在19世纪的巴黎，托马斯·库图尔以他的历史画创作蜚声当时，但现在，他却被人们彻底地遗忘了。相反，17世纪的荷兰画家约翰内斯?维米尔在死后默默无闻，但人们在19世纪60年代时重新发现了他的创作。价值判断通常源于观者自身的文化环境。在现代，苏联的艺术批评家完全否定了西方的先锋派艺术，将之视作利益驱动下的精英艺术。他们更偏好苏联国内的社会主义现实风格，因为它更贴近人民群众，并赞颂了普通苏联民众的成就。

新技法

技术创新能够推动或改变艺术理念，而对艺术发展历史影响最大的发明就是印刷术。自公元3世纪起，中国古人已经发明了雕版印刷术，而在15世纪，古滕堡引入的活字印刷术推动了文艺复兴理念的传播，文字和图像的印刷技术也为艺术家提供了极为丰富的灵感。在此之前，为观摩其他人的艺术作品，艺术家必须经长途旅行去参观私人收藏，当时也不存在画廊或博物馆的概念。印刷术的传播无疑极大地加速了新风格与新技术的传播速度。例如，拉斐尔在16世纪初完成的画作通过马肯托尼欧·莱蒙蒂制作的版画传遍了欧洲，因而拉斐尔被人们视为文艺复兴的艺术巨匠之一。他的作品被新兴的美术学院和艺术学校定为教学范本，因而间接地对艺术史的发展产生了深远影响。版画同时也允许艺术家以自己的作品为原型，大量创作出低价售卖的复制品，从而开拓了艺术市场的新格局，并给予艺术家以赞助人影响以外更强的独立性。

最初显得无关紧要的新发现和新发展完全可以深刻地影响艺术实践。以从19世纪40年代逐步被采用的便携式颜料管为例，最初它好像只是部分地改良了旧有的颜料容器，但是它帮助印象派画家逐步发展出一种最具代表性的绘制方式：户外写生。类似地，在1865年，本想探索奎宁合成技术的威廉?铂金意外地发现了苯胺紫，这仿佛只是一个无足轻重的意外之喜。然而，它促使化学家制造出大批量的人工颜料。这对艺术家们而言是一个天大的喜讯，因为它提供了价格低廉而种类繁多的颜料可供选择。

在19世纪，对艺术领域冲击力度最大的技术发明是摄影技术。它引发了部分艺术家的恐慌情绪，他们认为摄影技术会导致绘画的终结。但事实上，真实情况恰巧相反。一旦最初的震惊感退去之后，印象派和拉斐尔前派等艺术团体迅速接纳了这一技术创新，并借助它寻求一种表达身边世界的新方式。

在20世纪，艺术实验的潮流不断加速，而自我表现已经成为新的关键词。艺术家有意地拒绝历史上的艺术风格，尤其是对事物的写实描绘，并开始以抽象的手法处理形状与色彩。他们采用全新的材料与技术，以此探索艺术创作的新方向，开拓出前所未有的新视角。正如保罗·克利所言：“艺术并不复制我们日常所见，相反，它让我们去看见。”