苏燕编著的《人生需要匠人精神(日本当代10位陶艺家的手作情结)》寻访了日本当代10位著名的陶艺家，走进它们的陶艺工坊，聆听他们的创作历程，为喜爱陶器、喜爱手作的人带来一次近距离接触大师的机会。书中专访的10位陶艺家在中国具有一定的知名度，尤其像安藤雅信等陶艺大师，更是在中国办过多次展览，其作品受到陶艺爱好者的热烈追捧。书中展示了大量的陶瓷作品，整体风格文艺优雅，全彩印刷，带给读者舒适的阅读体验。

苏燕编著的《人生需要匠人精神(日本当代10位陶艺家的手作情结)》寻访日本当代10位陶艺家，走进他们的陶艺工坊，聆听他们的创作历程，体味他们的匠人精神。

他们隐居在山村，过着真正清心寡欲的生活，在宁静的工作室里日复一日地重复着制陶工作。然而在这貌似恒常的创作中，打动人的正是他们勇于创新、坚持手作、不断进取等朴素而令人敬佩的匠人精神。

在这个物质过剩与信息发达的世界，人们太容易喜新厌旧、太容易浮于表面、太容易半途而废，而忘记了要严肃地对待物品、对待工作、对待生活。制陶这条路，仿若人生，靠的是手艺，急不得，懒不得。千锤百炼，才能成。

透过这本书，不仅能邂逅工艺之美，更能遇见那隐藏在陶瓷背后的匠人之心。

推荐序 隔岸观物 老古

导 读 浅话东瀛茶陶 李曙韵

平凡的生活素陶：文化与情感的渗透 安藤雅信

回归凡朴生活，塑造陶的枯寂之美 奥田英山

金属般的质感：心手合一之陶 大村刚

信乐生人的泥土风味 谷井直人

黑白素陶，惜物于日常静雅之美 井山三希子

锈迹与星光：大象无形之陶 三笘修

深思熟虑的细节：生活的关怀与反馈 市川孝

土与火焰碰撞出的器皿 小野哲平

亲切的神秘感：一半生活一半艺术 小泽章子

柔中带刚的花器：为植物构筑陶屋 岩田智子

生活中的美学，季の云的寻陶旅 中村丰实

附录一 日本陶瓷器年鉴

附录二 日本陶艺展馆纵览

附录三 日本陶艺市集

岐阜县，日本本州岛中部的一个内陆县，被山水围合，被民俗浸染。那里盛产扬名海外的美浓和纸、岐阜提灯、传统和伞，以及令人爱不释手的日用陶瓷美浓烧……传统手工艺的繁荣，让岐阜县不仅成为他乡游人旅行途中的必达之地，也成为本土匠人习艺路上的取经之所。而对于从小就受到这些日本传统美学熏陶的安藤雅信来说，近水楼台先得月的美事，似乎并不那么具有吸引力。

安藤雅信出生在岐阜县的多治见市，那里因举世闻名的美浓烧而被誉为陶都。每年4月，多治见市都会筹办著名的陶器节，以丰富多彩的集市形式，吸引大量的海内外陶瓷爱好者前来参观、交流、淘物。或许是常年身处传统美学的发源地，年复一年的观摩带来了视觉疲劳，抑或是年少时易受到好奇心的驱使，安藤雅信觉得偶尔接触到的舶来文化竟然那么具有吸引力。一边是积淀于民族的深厚境界，一边是进发于西方的时代美学，两种背景有别的艺术审美，始终在安藤雅信的脑海中此起彼伏。而正如每一个向往着革新与突破的年轻人一样，当年的安藤雅信，也很自然地表现出对西洋美学的无限憧憬。

大学是安藤雅信人生中的第一个转折点。告别了岐阜县的传统工艺美术环境，安藤雅信只身前往东京的武藏野美术大学，在那里学习雕塑艺术。于是，从踏进校园的那一刻起，西方美学和造型理论，成了伴随并引导安藤雅信进行艺术创作的精神支柱。看到这里，也许你会感慨，安藤雅信年轻时的艺术梦想之路可谓一帆风顺啊。的确，作为艺术之路的起点，他曾学以致用，并以此理念为指导，持续创作十余年。然而，与所有事物的发展规律一样，艺术生涯也会遇到相应的瓶颈，这个瓶颈就在安藤雅信30岁那年如期而至。

“是什么阻碍了我前行的步伐?”安藤雅信思索着。他逐渐停下创作的脚步，放慢生活的速度，试着回望自己的过去。他发现在忙于艺术的十几年里，自己走得太快，仿佛永远在追寻一个无尽的尽头，盲目且麻木，而这种状态，与当时日本陶艺界的风气息息相关。二十世纪八九十年代，具有观赏性和艺术价值的陶器，占据着日本陶艺圈的主要市场，许多陶艺家为了获奖成名而四处奔波。而收藏陶器的人，也很少关注它的生活价值、实用价值，只凭拍卖行中的价格高低去评判一件陶艺作品的可买性。在大环境的影响下，年轻的安藤雅信不免被卷入时代的浪潮，而艺术生涯瓶颈的到来，对此时的安藤雅信来说似乎并不是什么坏事。

“大学校园里的西方美学理念给予了我诸多创作养分，初出校园的实践与历练让我体验了社会对艺术的评判，而遭遇瓶颈则让我看到了深藏在这一切背后的一种精神上的不安。这种不安源自‘归属感的匮乏’。”安藤雅信毫不避讳地说道。是的，归属感就像是人的影子，无论你走到哪里，它总伴随左右。或许在特定的光照条件下，影子会消失一时，但你却始终无法保持无影的常态。

回归东方，回归生活

而立之年遭遇困顿，却也让安藤雅信与人生的第二个转折点不期而遇——旅居印度。那不是一次只求身心放松的简单旅程，而是一个寻找自我的全新起点。初到印度，安藤雅信就被这个民族强烈的文化自信所感染，正如当地的女子至今仍旧身着传统纱丽，而每一部印度电影也从不缺乏民族歌舞那样，这种文化自信来得浓烈且彻底——从日常生活直到精神信仰。印度之旅就如同一场洗礼，让安藤雅信意识到根植于一个民族的魅力及力量，也让他开始思考并反省，或许自己此前一味地崇尚西洋美学，只是在掩盖暗藏心底的一种不自信罢了。

在印度经历了长达半年的异域生活后，安藤雅信收获了诸多启示，尤其是当他深入佛教并领悟妙谛时，那些哲理对他的艺术创作，乃至人生方向，都产生了非常重要的影响。他坦言：“佛教中讲求因果相应，种善因得善果，种恶因得恶果。

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我的第一件日本陶器是多年前吉村先生来中国的时候赠送给我的一个织部烧的抹茶碗。70多岁的吉村先生个子不高，满头黑发，神情动作非常沉稳且有活力，让人不大能想象出他的实际年龄。他修习了50年的日本茶道，修习的是三个千家茶道流派之一的表千家流派。这个织部烧茶碗上有标志性的一抹浓绿的釉，大概碗用的时间不短了，润泽的釉色像缓缓流淌的浓茶，而其余占绝大部分的白色长石釉上，有用赭石色线描的古装夫子和一个童子，有些像中国传统瓷器上的陶渊明或者周敦颐和童子的内容，中国往往把这样的构图称为“高士图”，因此我也就把这个碗取名叫作“高士碗”了。这个碗的形状有些夸张，不规则，这是织部烧特有的粗犷风格。捧在手里时，却会发现碗身的起伏凹凸和手形很合，非常称手。后来我学习点抹茶的时候，又发现这个碗和另一个瓷碗相比，可以非常轻松地点出一碗绵密香醇的薄茶来。

这个织部烧茶碗的使用过程，让我慢慢意识到日本陶器所具有的典型特质——看起来的随意和生涩都隐含着作者的着意设计，但是又力图把这样的用意含蓄地隐藏起来，等着使用者触摸的时候才能够发现。

古田织部是织部烧风格的创立人，是一名武士，也是千利休的弟子。据说当年千利休被赐死之后，古田织部一方面在其他人唯恐避之不及的时候公开表达对他的怀念，另一方面大胆地开创了有别于千利休的茶风。这样的一个人，应该是内心丰富而有力量的吧，他开创的茶碗烧制风格也体现着他的性格特质。

2013年夏天去日本旅行的时候，我在长汀的季之云画廊遇到了陶艺家市川孝。画廊里展示着他用煤油窑烧的白釉和黑釉的一些茶器，泡茶的壶、匀杯、茶杯、注水壶，还有一些柴窑烧的大的水盘和陶罐花入，总能从中找到一些隐约熟悉的中国味道。我最感兴趣的是一个吊起来的花器，用的是回收的旧粗铁丝，有一些浮在面上的点点锈迹，弯成了自在钩的样子。自在钩是一种日本传统的悬挂工具，由几个首尾相扣的铁链构成，但是衔接部分很巧妙，可以根据需要调节铁链的长度。下端弯成水平铁环，上面有一个白釉的直口小钵，里面插了寥寥几片绿枫，平生夏日清凉。看到我对这个花器很感兴趣，他走过来取下小陶钵给我看自在钩的结构，告诉我是他自己做的，并且说“你可以自己做啊”，随意得就像跟一个朋友聊天。我可以感受到他日常生活中除做陶外还有很多亲自动手的活儿，而且有着家常的心平气和。我问到他的展览，他说刚刚从台北办展回来，然后又有点自嘲地说：“我知道会卖得很好，可是我并不希望很快卖完，我已经觉得自己像一个面包师了，烤好一炉面包，拉到集市上卖完，再烤一炉。”淡淡的几句话就让人对他如何对待自己的陶有了深入的理解。 美之所生 这些年，因为爱茶的缘故，我陆续收集了为数不少的日本陶瓷器具，有些原本就是茶器，有日本茶道里被称为“一乐二荻三唐津”的黑乐茶碗，还有个人很喜欢的传统窑口的信乐和备前烧制的一些日常器具，常被我移用过来作为茶道器具和花器。我也很喜欢一些现代陶艺家的陶艺新作。无论是信乐、备前、常滑这些传统窑口的作品，还是很多陶艺家的现代陶艺作品，它们都有着一些相似的天然气质。

日本的陶瓷器具很多都带有这种气质，那种天然是结结实实的，如同山石、枯木、苍苔一般的自然拙朴，而有些施以化妆土的器皿带着特殊的纯净气质、朴实洗练的外形、合乎使用的功能以及丰富的肌理变化。但是这些似乎都是呈现于外的表象，在使用过程里，斑驳的痕迹又会渐渐笼罩在上面。我们耳熟能详的“wabi．sahi”这个美学风格，大概只属于呈现器物美的一种标识。一个小小的陶器，常常能引发我们内心深处的情感。朝花秋露般的刹那之美，带给人内心激荡之后，枯枝残花、水痕俨然，我们触摸和假思索；另一方面，对陶瓷的思考都凝聚到了制作人的生命思考里。思考人和自然的关系，会让人在日常制作的过程中体会到使用器物时毫不做作的用心和专注。首先是保留手工的感觉，很多日本器具都是手工制作的，留有让人备感亲切的手工的痕迹，但是这个痕迹又不是粗糙率性的，而是带有专注和精微的松弛。

器用之美

很多时候，器具独特的韵味是在与之相配的使用环境中展现出来的。比如一个志野烧的茶碗，松软的艾土胎上有着宛若积雪的长石釉，如果在夏日浓荫遮蔽的庭院里，一束透过树叶的光照射其上，用这样的茶碗喝一碗抹茶，碗也会透出玲珑的感觉。

在中国的茶席上，我常常会打破原来既定的用途，令器具显现出别样的韵味，比如春天会用一个备前烧的浅陶碟做壶承，或者秋天在一个器形敦厚的李朝风格的白瓷酒壶中插一段结了红果的金银木。

对于茶来说，那是做茶人的光荣；对于茶器具来说，那是作者的骄傲；而对于茶人来说，价值就在于可以通过选择的茶和器具透射自己的生命态度。这样对物的取舍，才有了价值和意义。比如我很少用日本陶艺家制作的壶和杯来喝中国茶，原因在于，中国的茶包括绿茶在内，都经过高温杀青，形成香气的各类物质沸点都比较高，日本多数的陶瓷器受到材料本身临界温度较低的限制，甚至有些陶艺作品因要控制烧制后的肌理效果也没有把它烧透，这样的器皿在泡中国茶的时候往往会吸收香气和热量，茶汤的香气和韵味的层次就打了折扣。这大概就是不同使用环境中，不同的影响效果带来的遗憾。

很多时候，不局限于器具本身固有的符号，而是凭借自己的慧眼赋予器具别样的新意，打破头脑中顽固的成见，每个器具都能够被赋予新的生命形态，如此便能喝到一杯荡气回肠的茶汤了。

书中介绍的10位日本陶艺家，日渐被国内的很多人熟悉，也许在你的案头上就有他们制作的一把壶、几个杯，或者在茶棚的角落里有一件花器、茶仓。手里摩挲这些不一定是“完美”的器物，却总有很多细节打动人心。从这些采访文字里，我们可以一窥其中究竟，也会有很多启发。透过这些带有“职人精神”的陶艺家的创作过程，我们能发现其实陶器都是陶艺家表达自我的一种途径，每个人对自然的感知和与之的连接方式、对所用材料的细腻感受和尊重、对使用者的温厚体贴，全都凝聚其中，由此衍生出来的丰富的“美”，朴实、自然、健康，那就是以物传心打动人的秘密。